Robert Treviño

Caro pubblico,

è un piacere assoluto tornare a suonare con l’OSI. È un’orchestra a cui in questi anni mi sono molto affezionato: mi sono sempre divertito in modo straordinario con i meravigliosi musicisti e lo staff, e il pubblico è sempre estremamente caloroso e gentile.

Il programma di stasera vi presenta due brani di musica relativamente poco ascoltati, ma notevoli per la loro risonanza e poesia. Il primo, Les nuits d’été di Hector Berlioz, che eseguiamo con il mezzosoprano Justina Gringytė, è una delle opere fondamentali del grande compositore francese, in cui egli ha messo le basi di tutti i concetti romantici profondi che ha poi utilizzato anche in seguito, nella sua Symphonie fantastique e in altre opere maggiori.

Nella seconda parte della serata c’è la Sinfonia n. 5 di Ralph Vaughan Williams, che è una risposta e - si potrebbe dire - un’esperienza musicale curativa per alcuni degli orrori della Seconda guerra mondiale.

È una musica piena di amore, di vita, di luce e per me è un brano che non viene suonato abbastanza spesso. Scritta in un’epoca di guerra, potrebbe forse essere terapeutica per tutti noi oggi, in questi tempi difficili e in continuo cambiamento.

Vi auguro un buon ascolto,

Robert Treviño

«Ascoltare la Quinta sinfonia di Ralph Vaughan Williams è come fissare una mucca per 45 minuti»: in un’ipotetica classifica dei motti di spirito e degli insulti che i compositori si sono scambiati in tutta la storia della musica, questo di Aaron Copland certamente si situa ai primi posti. Ma perché questa cattiveria? Forse in quanto è difficile immaginare qualcosa di più diverso fra lo stile musicale dell’uno e dell’altro: le composizioni di Vaughan Williams, anzi, appaiono l’epitome di quello che si definisce “inglese”, ossia un senso di lirismo melanconico, di cose familiari eppure profonde e quasi mistiche, non disgiunto da un certo patriottismo.

Vaughan Williams non era certo uno sprovveduto: studi al Royal College of Music (anche se i suoi insegnanti commentavano che «he was so hopelessly bad at it»…), perfezionamento a Berlino con Bruch e a Parigi con Ravel (che lo descriverà come «l’unico dei miei allievi che non scrive la mia stessa musica»), un’esperienza di trascrittore, con l’amico Holst, del patrimonio di canti popolari inglesi, che lo portano all’incontro con l’antico repertorio elisabettiano e con la questione della “musica nazionale”: per lui, la musica popolare, specie quella legata alle festività religiose, conserva un autentico afflato mistico e spirituale.

In tutte le sue nove sinfonie, Vaughan Williams sembra sempre confrontarsi con il grande repertorio romantico, ma ribaltandone la struttura: la frase melodica non è il punto di partenza ma il culmine espressivo di un procedimento di aggregazione di cellule elementari. La sua musica, tra l’altro, si diffuse velocemente in Gran Bretagna anche in virtù dei suoi ottimi legami con le persone più importanti dell’establishment musicale, con incisioni, concerti e pubblicazioni, e il suo influsso si esercitò sia sui compositori più giovani come Finzi e Tippett, sia -- lo ha spiegato Bernstein in una memorabile lezione televisiva -- sulle canzoni dei Beatles, per l’uso dell’armonia modale.

La Quinta, scritta durante la guerra (tra il 1938 e il 1943) si pone in forte contrasto con la precedente sinfonia, violenta e dissonante, richiamando invece le atmosfere della Terza, “Pastorale”: fu dedicata a Sibelius (che accettò tale onore dopo averne ascoltata un’esecuzione alla radio), il “nume tutelare” di tanti compositori inglesi del primo ‘900. Organizzata nei canonici quattro movimenti, prende in prestito molti temi dall’opera allora incompiuta (ma poi terminata) The Pilgrim’s Progress: particolarmente evidente questa derivazione “vocalistica” nella bella Romanza, aperta da un assolo di corno inglese. Alla fine, più che nella cattiveria di Copland, una esatta definizione di questa sinfonia sta nelle parole di un critico, Neville Cardus: in anni tremendi di guerra, «la sua Quinta Sinfonia contiene la musica più benedicente e consolante del nostro tempo».

Anche il ciclo Les nuits d’été vive, in un certo senso, di simile moderazione e contenimento degli eccessi: tanto più sorprendente in un artista sulfureo quale fu Hector Berlioz. Si tratta di un ciclo di sei mélodies (le uniche di Berlioz ad essere raccolte in un ciclo organico) composte tra il 1838 e il 1841 su testi di Théophile Gautier: originariamente per voce di mezzosoprano o tenore e pianoforte, vennero poi orchestrate tra il 1843 (la prima, Absence) e il 1855/56 (le altre cinque).

La versione originale presenta una calcolatissima successione di atmosfere e tonalità, ma mostra anche l’estraneità di base di Berlioz verso il pianoforte, strumento che non giunse mai a dominare; quella orchestrale, al contrario, prevede l’assegnazione di ogni pezzo a un diverso tipo di voce (ma poi, nella pratica concertistica, è un solo cantante ad interpretarle tutte e sei, con gli opportuni cambi di tonalità: proprio come stasera). Si potrebbe leggere nelle sei pagine una sorta di autobiografia, la natura effimera dell’amore che viene descritta alludendo alla fine del suo matrimonio con Harriet Smithson e all’inizio della storia con Marie Recio (un mezzosoprano!); ma in realtà nei sei testi, e nella loro versione musicale, troviamo un’atmosfera misteriosa e allusiva, sensuale e poetica, per la quale Berlioz rinuncia al gigantismo orchestrale per cui era divenuto famoso ed utilizza un’orchestrazione che sembra nascere al momento, sulla parola e per la parola, con un’essenzialità e una allusività davvero miracolose.

Nicola Cattò